Todos nos comunicamos, puesto que vivimos en sociedad, los seres humanos nos relacionamos y para ello nos comunicamos, emitiendo y captando múltiples mensajes. Y es que nuestra cotidianidad estamos rodeados entre diversos signos, señales y símbolos, que abarcan desde un gesto o una mirada, hasta los afiches publicitarios o los medios de comunicación social, como la televisión y la prensa.
Para comunicarnos nos valemos de signos, señales y símbolos, que cumplen diferentes objetivos.
El símbolo es la representación grafica o figurativa de una idea cuyo significado es aceptado por convencionalismo humano siendo el producto cultural , de complejidad variada. Representa una realidad exterior por medio de una imagen.; por ejemplo la bandera blanca o la paloma como símbolos de paz. Existen símbolos religiosos como la cruz en la religión cristiana o la estrella de David en el judaísmo.
Un símbolo es algo que representa otra cosa, ya sea por asociación o por semejanza.
. El lenguaje mismo es un sistema de símbolos hablado o escrito mediante el cual nos comunicamos. Cada palabra es un símbolo, las cinco letras que forman "silla" de la palabra representa un sonido, así como un objeto físico.
Por escrito, el simbolismo es el uso de una palabra, una frase, o una descripción, lo que representa un significado más profundo que las palabras mismas. Este tipo de extensión del significado puede transformar la palabra escrita en un instrumento muy poderoso.
Los diferentes tipos de símbolos:
Los simbolos patrios como escarapelas, escudos o banderas, son la representación del amor a la patria y la exteriorización de la nacionalidad de un pueblo que les rinde homenaje y respeto
En química se llama símbolo a las letras que representan a un cuerpo simple. Se usan para evitar designar a los elementos y compuestos químicos por su nombre completo. Por ejemplo el símbolo de la plata es AG.
Los símbolos que representan unidades de moneda como el $ peso o el euro también es un símbolo “arroba” que representa la unidad de masa y en el lenguaje informático como en empleado en direcciones de correo electrónico
Los colores simples también pueden ser simbólicos, dependiendo de la zona, o el contexto en el que se utilizan. Rojo, blanco y azul son el símbolo de todo lo americano. Verde ha llegado a representar todo lo que es el medio ambiente. Los colores pueden representar cosas diferentes dependiendo de donde usted vive. Por ejemplo, en los países asiáticos, el rojo simboliza la felicidad, el matrimonio y la prosperidad, en algunos países, el color del luto es el blanco.
El simbolismo religioso es el uso de texto, imágenes, procedimientos o objetos físicos reales para representar una idea o creencia. Como en el uso de una cruz para representar el cristianismo, o la estrella de David para representar al judaísmo.
Otros símbolos cristianos incluyen la paloma (símbolo del Espíritu Santo), y el cordero del sacrificio (símbolo del sacrificio de Cristo).
Los símbolos utilizados en matemáticas pueden representar los números, operaciones, sistemas, o muchas otras cosas. Este es quizás el tipo más simple de simbolismo.
Simbolismo político a menudo se utiliza para representar un punto de vista político.. Se puede tomar la forma de banners, acrónimos, imágenes, marcas, lemas, y muchas otras cosas. Por ejemplo, la bandera de Canadá contiene una hoja de arce, que ha sido durante mucho tiempo un símbolo de las cosas de Canadá.
A mediados del siglo 20 del partido nazi alemán hizo un amplio uso de símbolos gráficos. Estos incluyen la esvástica, el águila, la cruz de hierro, y los rayos dual (el símbolo de las SS)
La publicidad ha aprovechado durante todo este tiempo la capacidad comunicativa de los iconos, las señales y los símbolos. De hecho, la marca, uno de los elementos clave de la comunicación comercial es el resultado de todo esto.
Cuando un símbolo está muy normativizado y tiene una función bien definida, su capacidad comunicativa es enorme. Por eso, las señales indicadoras son iconos simples con un significado aprendido.
Los símbolos y las señales permiten optimizar la comunicación reforzando la relación entre el signo y su significado.
Con ellos, la comunicación gana en: RAPIDEZ DE TRANSMISIÓN REDUCCIÓN DE ESPACIO MAYOR CAPACIDAD DE RECLAMO
Para intentar transmitir con la mayor efectividad posible, el enfoque de los símbolos puede ser muy variado:
1ª imagen (empezando por tu izquierda): Centrándose en el acto de fumar.
2ª imagen de: Centrándose en el cigarrillo.
3ª imagen: Centrándose en la señal de prohibición
4ª imagen: Utilizando más imágenes y textos de relleno
Hasta la década de los 90, el logotipo de Adidas representaba las hojas de laurel olímpicas, símbolo de deportividad, puesto que la marca alemana comenzó haciendo ropa para deportistas olímpicos. Sin embargo, en las últimas décadas Adidas decidió utilizar las tren bandas, rasgo distintivo de su ropa desde los años 60. La metáfora es interesante: la empresa ha pasado de representar en su logotipo los valores olímpicos al rendimiento económico de la moda.
jueves, 28 de julio de 2011
Pensamiento Visual Aristóteles, “el alma jamás piensa sin una imagen”.
La tendencia de generar o reconocer ideas, alternativas o posibilidades pueden ser útiles en resolver problemas. Cuando hablamos de “pensamiento visual” aludimos simplemente a un enfoque visual que facilita el proceso de pensamiento. papel, libros, etc. se consideran casi de modo “natural” parte de los entornos de aprendizaje. La imprenta de“tipos móviles” desarrollada a mediados del siglo xv fue un factor importante en este modo de entender la educación. La imagen, los gráficos, las figuras, fotografía, video, etc. sólo aparecen tardíamente en este proceso y se incorporan tímidamente en las décadas más recientes. En la actualidad disponemos de múltiples elementos, técnicas y teorías que brindan un soporte a los enfoques de pensamiento visual: gráficos, herramientas mentales, son términos bastante conocidos como apoyo e instrumentos que pueden emplearse con y sin ayuda de la computadora.
Dan Roam ha publicado un presentación titulada “Los diez y medio mandamientos del pensamiento visual” que nos ayuda a comprender mejor este tema. El sostiene que cualquier problema puede ser resuelto con una figura, que se puede empezar dibujando un círculo y dándole un nombre.
“Los 10 1/2 Mandamientos del Pensamiento Visual”
1. Cualquier problema puede ser resuelto con un dibujo:
No importa la naturaleza del problema; si podemos imaginarlo, podemos dibujarlo.
2. Todos comienzan diciendo “no sé dibujar, pero…”:
Si eres lo suficientemente visual como para caminar por un cuarto sin caerte, puedes solucionar problemas con dibujos.
3. Evita dibujar en el lienzo:
Cualquier servilleta sirve como superficie de dibujo, motivo por el cual los bares son excelentes lugares para compartir ideas.
4. Para empezar, dibuja un círculo y dale un nombre:
La línea más difícil de dibujar es la primera, así que ni lo pienses. Lo importante es que empieces.
5. Selecciona la mejor clase de imagen de los “Seis básicos” (quien/que, cuanto, donde, cuando, como, por qué):
Luego del círculo inicial, enmarca el tipo de problema dibujando un retrato para problemas tipo quien/que, una gráfica para problemas tipo cuanto, un mapa para problemas tipo donde, una línea de tiempo para problemas tipo cuando, un diagrama de flujo para problemas tipo como o un diagrama multivariable para problemas tipo porqué.
6. Antropomorfiza todo:
Las caras y figuras con palotes, sin importar lo crudo que estén dibujadas, reclaman inmediatamente atención, entendimiento y reacción.
7. Saca ventaja de cada disparador mental que puedas. (También conocido como “usa atributos precognitivos”):
La mente humana evolucionó para procesar instantáneamente un amplio rango de pistas visuales, incluso antes de “verlas” concientemente.
8. Garabatea en voz alta y borra en voz más alta:
Mientras trabajes en tu dibujo describe lo que significan sus partes y por qué las dibujas. Y si algo no queda bien, bórralo mientras explicas tus motivos para borrarlo.
9. No dibujes lo que está allá afuera, dibuja lo que está acá adentro. (También conocido como “el cielo es azul excepto cuando creo que no lo es”):
La idea de usar dibujos para resolver problemas no es crear grandes obras de arte. No te preocupes por cómo luce tus dibujo, concéntrate en lo que muestra.
10. Dibuja una conclusión:
Cuando pienses que tu dibujo está listo, mueve tu lápiz una vez más para escribir un título, una conclusión o un comentario.
10,5. No mientas (ni a ti mismo, ni a tu audiencia y sobre todo, ni a tu dibujo):
Una imagen equivocada puede empeorar cualquier problema. Entonces, cuando termines tu dibujo retrocede y dale otra mirada, aunque solo sea para evitar caer en el autoengaño.
Representación gráfica
Representación, de acuerdo con Mitchell (1995), comenzó con la primera teoría literaria en las ideas de Platón y Aristóteles , y se ha convertido en un componente importante de la lengua, Saussure y la comunicación los estudios. Los medios de representación literaria es el lenguaje Los medios de representación gráfica son los gráficos.
Representación gráfica de los datos es uno de los modos más utilizados de la presentación.
El término representación, se define comúnmente de tres maneras:
1.-Para que parezca o se asemejan a
2.-Para sustituir a algo o alguien
3.- Para presentar una segunda vez para volver a presentar
El nivel de representación de una imagen depende del grado de parecido que tenga con la realidad denominado grado de iconidad.
Pueden ser :
-Realistas o analógicas: son las que tienen el mayor parecido con la realidad. El arte realista es algo que parece a una fotografía pero es pintado
-Figurativas: estas formas se caracterizan por su configuración geométrica, deformada, esquemática o simplificada, pero siempre se reconoce con su correspondiente realidad.
-Abstractas: su forma pierde toda referencia con la realidad y no se asemeja a ella.
La abstracción puede ser producto de la fantasía (imágenes surrealistas) o relaciones arbitrarias (señal de tráfico: prohibido el paso). En algunos casos la representación no existe y la imagen se convierte en una realidad autónoma (pintura abstracta).
Estilizada Interpretar convencionalmente la forma de un objeto haciendo resaltar tan solo sus rasgos más característicos: estiliza los ambientes con la iluminación.
Afinar, estrechar, adelgazar.
Ahora una pintura figurativa realista estilizada es una combinación entre lo figurativo, lo realista y tiene que estar estilizado. con manos largas, cuello largo como el caso de Amedeo Modigliani que las hacia con cuello largo. No son muchos los artistas que tuvieron este estilo figurativo, realista estilizado. Uno que fue figurativo y estilizado fue Alberto Giacometti.
Dan Roam ha publicado un presentación titulada “Los diez y medio mandamientos del pensamiento visual” que nos ayuda a comprender mejor este tema. El sostiene que cualquier problema puede ser resuelto con una figura, que se puede empezar dibujando un círculo y dándole un nombre.
“Los 10 1/2 Mandamientos del Pensamiento Visual”
1. Cualquier problema puede ser resuelto con un dibujo:
No importa la naturaleza del problema; si podemos imaginarlo, podemos dibujarlo.
2. Todos comienzan diciendo “no sé dibujar, pero…”:
Si eres lo suficientemente visual como para caminar por un cuarto sin caerte, puedes solucionar problemas con dibujos.
3. Evita dibujar en el lienzo:
Cualquier servilleta sirve como superficie de dibujo, motivo por el cual los bares son excelentes lugares para compartir ideas.
4. Para empezar, dibuja un círculo y dale un nombre:
La línea más difícil de dibujar es la primera, así que ni lo pienses. Lo importante es que empieces.
5. Selecciona la mejor clase de imagen de los “Seis básicos” (quien/que, cuanto, donde, cuando, como, por qué):
Luego del círculo inicial, enmarca el tipo de problema dibujando un retrato para problemas tipo quien/que, una gráfica para problemas tipo cuanto, un mapa para problemas tipo donde, una línea de tiempo para problemas tipo cuando, un diagrama de flujo para problemas tipo como o un diagrama multivariable para problemas tipo porqué.
6. Antropomorfiza todo:
Las caras y figuras con palotes, sin importar lo crudo que estén dibujadas, reclaman inmediatamente atención, entendimiento y reacción.
7. Saca ventaja de cada disparador mental que puedas. (También conocido como “usa atributos precognitivos”):
La mente humana evolucionó para procesar instantáneamente un amplio rango de pistas visuales, incluso antes de “verlas” concientemente.
8. Garabatea en voz alta y borra en voz más alta:
Mientras trabajes en tu dibujo describe lo que significan sus partes y por qué las dibujas. Y si algo no queda bien, bórralo mientras explicas tus motivos para borrarlo.
9. No dibujes lo que está allá afuera, dibuja lo que está acá adentro. (También conocido como “el cielo es azul excepto cuando creo que no lo es”):
La idea de usar dibujos para resolver problemas no es crear grandes obras de arte. No te preocupes por cómo luce tus dibujo, concéntrate en lo que muestra.
10. Dibuja una conclusión:
Cuando pienses que tu dibujo está listo, mueve tu lápiz una vez más para escribir un título, una conclusión o un comentario.
10,5. No mientas (ni a ti mismo, ni a tu audiencia y sobre todo, ni a tu dibujo):
Una imagen equivocada puede empeorar cualquier problema. Entonces, cuando termines tu dibujo retrocede y dale otra mirada, aunque solo sea para evitar caer en el autoengaño.
Representación gráfica
Representación, de acuerdo con Mitchell (1995), comenzó con la primera teoría literaria en las ideas de Platón y Aristóteles , y se ha convertido en un componente importante de la lengua, Saussure y la comunicación los estudios. Los medios de representación literaria es el lenguaje Los medios de representación gráfica son los gráficos.
Representación gráfica de los datos es uno de los modos más utilizados de la presentación.
El término representación, se define comúnmente de tres maneras:
1.-Para que parezca o se asemejan a
2.-Para sustituir a algo o alguien
3.- Para presentar una segunda vez para volver a presentar
El nivel de representación de una imagen depende del grado de parecido que tenga con la realidad denominado grado de iconidad.
Pueden ser :
-Realistas o analógicas: son las que tienen el mayor parecido con la realidad. El arte realista es algo que parece a una fotografía pero es pintado
-Figurativas: estas formas se caracterizan por su configuración geométrica, deformada, esquemática o simplificada, pero siempre se reconoce con su correspondiente realidad.
-Abstractas: su forma pierde toda referencia con la realidad y no se asemeja a ella.
La abstracción puede ser producto de la fantasía (imágenes surrealistas) o relaciones arbitrarias (señal de tráfico: prohibido el paso). En algunos casos la representación no existe y la imagen se convierte en una realidad autónoma (pintura abstracta).
Estilizada Interpretar convencionalmente la forma de un objeto haciendo resaltar tan solo sus rasgos más característicos: estiliza los ambientes con la iluminación.
Afinar, estrechar, adelgazar.
Ahora una pintura figurativa realista estilizada es una combinación entre lo figurativo, lo realista y tiene que estar estilizado. con manos largas, cuello largo como el caso de Amedeo Modigliani que las hacia con cuello largo. No son muchos los artistas que tuvieron este estilo figurativo, realista estilizado. Uno que fue figurativo y estilizado fue Alberto Giacometti.
iconologia emblemas y Divisas
Saussure estudia los significantes (formas), el significado (concepto), el emisor (artista), el receptor (espectadores), el mensaje (la obra ), el código (el lenguaje figurativo), el canal (soportes: plástico, mármol...), el contexto social e histórico, el feedback (el referente a la realidad objetiva a que se refiere el mensaje).
Nacimiento de Venus. Botticelli.
Significante: línea, colorido, composición...
Significado: Nacimiento de Venus.
Emisor: Botticelli.
Receptor: los Medicis.
Mensaje: mitológico.
Código: figurativo.
Canal: tabla.
Contexto: la Italia del XV, de los Medicis.
Feedback: se relaciona con la fertilidad, ya que se destinaba a una habitación de recién casados.
ICONOLOGIA
Se entiende como la única ciencia que estudia las imágenes con el fin de transmitir ideas abstractas o morales mediante figuras.
Se emplea por primera vez para dar título a la obra de 1593 de CESARE RIPA, VERDADERA DESCRIPCIÓN DE DIVERSAS IMÁGENES TOMADAS DE LA ANTIGÜEDAD O DE LA PROPIA INVENCIÓN. La obra de Ripa es “un tratado y descripción de las alegorías y útil para todo estudioso y artista”. Fue y es una obra de gran éxito con sucesivas ediciones en 1603 (ilustrada), 1611,1613 (ya eran 4 tomos), 1625, etc.… Se tradujo al castellano en 1987.
El objetivo fue ofrecer personificaciones y símbolos al servicio de poetas, pintores, escultores, etc.… porqué presentaba las virtudes, vicios, emociones, artes, ciencias, facultades del alma, estaciones, meses, conceptos filosóficos, morales y estéticos.
La presentación de los diferentes temas era similar, una figura acompañada de diversos atributos y textos explicativos.
La iconología de Cesare Ripa es lo que con el paso de los siglos se ha dado en llamar teoría o ciencia de las imágenes, imprescindible fuente literaria para la comprensión de buena parte del arte moderno, desde la época del Barroco hasta el mundo contemporáneo, donde encontraron su fuente de inspiración los grandes artistas. Ripa creo con su obra el primer discurso sistematizado de texto e imagen sobre las alegorías, los emblemas, los atributos y los símbolos que, según uno de los editores de la obra, personifican las pasiones, los vicios, y todos los diferentes estados de la vida humana
EMBLEMAS
Los EMBLEMAS son un género literario formado por imágenes de carácter simbólico cuyo desarrollo es paralelo al de las alegorías de Ripa. En los siglos XVI, XVII y XVIII las reediciones de los libros de emblemas son coetáneas a las de Ripa.
Los emblemas no tratan de personificaciones sino de imágenes o escenas acompañadas de textos que derivan de la ciencia de los jeroglíficos, muy de moda en el XV. Era un juego de intelecto empleado por los humanistas para conseguir sentidos enigmáticos.
En origen los emblemas estaban compuestos por 3 elementos.
LEMA o MOTE
GRABADO, IMAGEN
EPIGRAMA: el texto que explica el sentido de la imagen y el lema, siempre lleva implícita una moraleja o aviso.
EMPRESA
Las EMPRESAS o DIVISAS son una variante del emblema, con dos elementos:
DIBUJO
LEMA
Aluden a las características, intenciones de un personaje o familia. Su contenido es más específico, su imagen es más clara y se demuestra una preferencia por representar animales, vegetales u objetos creados por el hombre
La nueva visión de la iconología culmina con la personalidad de ERWIN PANOFSKY, considerado uno de los genios de la historia del arte. La influencia de Panofsky esta presente en la mayoría de los estudios hco-artísticos de los últimos 50 años. Panofsky se basa en las teorías de Warburg y en las del filósofo ERNEST CASSIRER. Entiende la obra de arte como una forma inseparable del contenido; para él la forma artística no es un mero soporte visual sino que tiene un sentido que va más allá y se manifiesta en 3 niveles:
la forma material
forma temática o convencional
significado intrínseco (objetivo de la iconografía)
El Invierno (Peter Bruegl)
TEMA -> invierno
MOTIVO -> cazadores, nieve, hoguera/ fuego, ramas sin hojas, hielo, patinadores
Son subtemas que dan lugar a la representación en si.
Cristo en casa de Marta y María (Velázquez)
TEMA -> Cristo va a casa de Marta y María (no confundir tema y título)
MOTIVO -> mujeres haciendo la comida, pescado, huevos
Nacimiento de Venus. Botticelli.
Significante: línea, colorido, composición...
Significado: Nacimiento de Venus.
Emisor: Botticelli.
Receptor: los Medicis.
Mensaje: mitológico.
Código: figurativo.
Canal: tabla.
Contexto: la Italia del XV, de los Medicis.
Feedback: se relaciona con la fertilidad, ya que se destinaba a una habitación de recién casados.
ICONOLOGIA
Se entiende como la única ciencia que estudia las imágenes con el fin de transmitir ideas abstractas o morales mediante figuras.
Se emplea por primera vez para dar título a la obra de 1593 de CESARE RIPA, VERDADERA DESCRIPCIÓN DE DIVERSAS IMÁGENES TOMADAS DE LA ANTIGÜEDAD O DE LA PROPIA INVENCIÓN. La obra de Ripa es “un tratado y descripción de las alegorías y útil para todo estudioso y artista”. Fue y es una obra de gran éxito con sucesivas ediciones en 1603 (ilustrada), 1611,1613 (ya eran 4 tomos), 1625, etc.… Se tradujo al castellano en 1987.
El objetivo fue ofrecer personificaciones y símbolos al servicio de poetas, pintores, escultores, etc.… porqué presentaba las virtudes, vicios, emociones, artes, ciencias, facultades del alma, estaciones, meses, conceptos filosóficos, morales y estéticos.
La presentación de los diferentes temas era similar, una figura acompañada de diversos atributos y textos explicativos.
La iconología de Cesare Ripa es lo que con el paso de los siglos se ha dado en llamar teoría o ciencia de las imágenes, imprescindible fuente literaria para la comprensión de buena parte del arte moderno, desde la época del Barroco hasta el mundo contemporáneo, donde encontraron su fuente de inspiración los grandes artistas. Ripa creo con su obra el primer discurso sistematizado de texto e imagen sobre las alegorías, los emblemas, los atributos y los símbolos que, según uno de los editores de la obra, personifican las pasiones, los vicios, y todos los diferentes estados de la vida humana
EMBLEMAS
Los EMBLEMAS son un género literario formado por imágenes de carácter simbólico cuyo desarrollo es paralelo al de las alegorías de Ripa. En los siglos XVI, XVII y XVIII las reediciones de los libros de emblemas son coetáneas a las de Ripa.
Los emblemas no tratan de personificaciones sino de imágenes o escenas acompañadas de textos que derivan de la ciencia de los jeroglíficos, muy de moda en el XV. Era un juego de intelecto empleado por los humanistas para conseguir sentidos enigmáticos.
En origen los emblemas estaban compuestos por 3 elementos.
LEMA o MOTE
GRABADO, IMAGEN
EPIGRAMA: el texto que explica el sentido de la imagen y el lema, siempre lleva implícita una moraleja o aviso.
EMPRESA
Las EMPRESAS o DIVISAS son una variante del emblema, con dos elementos:
DIBUJO
LEMA
Aluden a las características, intenciones de un personaje o familia. Su contenido es más específico, su imagen es más clara y se demuestra una preferencia por representar animales, vegetales u objetos creados por el hombre
La nueva visión de la iconología culmina con la personalidad de ERWIN PANOFSKY, considerado uno de los genios de la historia del arte. La influencia de Panofsky esta presente en la mayoría de los estudios hco-artísticos de los últimos 50 años. Panofsky se basa en las teorías de Warburg y en las del filósofo ERNEST CASSIRER. Entiende la obra de arte como una forma inseparable del contenido; para él la forma artística no es un mero soporte visual sino que tiene un sentido que va más allá y se manifiesta en 3 niveles:
la forma material
forma temática o convencional
significado intrínseco (objetivo de la iconografía)
TEMA -> invierno
MOTIVO -> cazadores, nieve, hoguera/ fuego, ramas sin hojas, hielo, patinadores
Son subtemas que dan lugar a la representación en si.
Cristo en casa de Marta y María (Velázquez)
TEMA -> Cristo va a casa de Marta y María (no confundir tema y título)
MOTIVO -> mujeres haciendo la comida, pescado, huevos
viernes, 8 de julio de 2011
martes, 28 de junio de 2011
Denotativo Connotativo
Semiotica
La palabra semiótica viene de la raíz griega seme, como en semeiotikos interprete de signos: La semiótica como disciplina es el análisis de los signos o el estudio del funcionamiento de sistemas de signos.
El campo de la semiótica es muy amplio y todo signo es portador de información.
La Semiología de Saussure
Ferdinand de Saussure nació en Ginebra, Suiza, el 26 de Noviembre de 1857. Provenía de una de las más antiguas familias de la ciudad, de gente intelectual con sólida formación científica, y que contaba, entre sus antepasados con geógrafos, matemáticos, físicos, naturalistas, y viajeros
Ya por esta época comienza a perfilarse en él una orientación especial por la lingüística. Una lengua es un sistema, cada elemento esta distribuido y organizado para accionar en forma unificada. Saussure postula pensar el sistema de la lengua como parte de la ciencia general que estudia los signos, y que él llamó "semiologia".
Saussure fue el primero que hablo de la semiología y la define como: "Una ciencia que estudia la vida de los signos en el seno de la vida social
Según Saussure “la lengua es un sistema de signos que expresan ideas y, por esa razón, es comparable con la escritura, el alfabeto de los sordomudos, los ritos simbólicos, las señales militares, etc. Simplemente es el más importante de dichos sistemas. Así, pues, podemos concebir una ciencia que estudie la vida de los signos en el marco de la vida social; podría formar parte de la psicología social y, por consiguiente, de la psicología general
La Semiótica de Peirce
Charles Sanders Peirce (1839-1914) se interesó, entre otras cosas, en la semiótica a la que consideraba ante todo como una lógica, lo que no deja de evocar el proyecto estoico. Sin embargo, su propósito apunta a aprehender la totalidad de los procesos comprometidos en el establecimiento de las significaciones, por ello su concepto de signo es general y pragmático. En la significación cooperan tres instancias: el objeto (que se pretende representar), el signo (que lo representa) y el interpretante (que lo interpreta). El interpretante es, a la vez, una norma social o un hábito colectivo institucionalizado y la determinación aquí y ahora de una mente que interioriza esta norma.
Signo:
Signo visual es una unidad de significación donde un elemento sustituye al otro, generalmente en la realidad, a través del lenguaje visual. Está constituido por un significante y un significado.
Un signo es la unión de un significado y un significante
Denotativo
significante: aspecto material del signo
lo objetivo. Lo consciente.
En este nivel de lectura el receptor se ajusta a la manera más literal posible a lo que nos muestra el emisor.
Consiste en enumerar y describir los elementos de la imagen sin ninguna proyección valorativa o cultural.
Lo que físicamente se vea
Connotativo
significado que se atribuye por parte del espectador a ese signo. El observador interpreta los elementos de la imagen .
Lo subjetivo: lo inconsciente
La palabra semiótica viene de la raíz griega seme, como en semeiotikos interprete de signos: La semiótica como disciplina es el análisis de los signos o el estudio del funcionamiento de sistemas de signos.
El campo de la semiótica es muy amplio y todo signo es portador de información.
La Semiología de Saussure
Ferdinand de Saussure nació en Ginebra, Suiza, el 26 de Noviembre de 1857. Provenía de una de las más antiguas familias de la ciudad, de gente intelectual con sólida formación científica, y que contaba, entre sus antepasados con geógrafos, matemáticos, físicos, naturalistas, y viajeros
Ya por esta época comienza a perfilarse en él una orientación especial por la lingüística. Una lengua es un sistema, cada elemento esta distribuido y organizado para accionar en forma unificada. Saussure postula pensar el sistema de la lengua como parte de la ciencia general que estudia los signos, y que él llamó "semiologia".
Saussure fue el primero que hablo de la semiología y la define como: "Una ciencia que estudia la vida de los signos en el seno de la vida social
Según Saussure “la lengua es un sistema de signos que expresan ideas y, por esa razón, es comparable con la escritura, el alfabeto de los sordomudos, los ritos simbólicos, las señales militares, etc. Simplemente es el más importante de dichos sistemas. Así, pues, podemos concebir una ciencia que estudie la vida de los signos en el marco de la vida social; podría formar parte de la psicología social y, por consiguiente, de la psicología general
La Semiótica de Peirce
Charles Sanders Peirce (1839-1914) se interesó, entre otras cosas, en la semiótica a la que consideraba ante todo como una lógica, lo que no deja de evocar el proyecto estoico. Sin embargo, su propósito apunta a aprehender la totalidad de los procesos comprometidos en el establecimiento de las significaciones, por ello su concepto de signo es general y pragmático. En la significación cooperan tres instancias: el objeto (que se pretende representar), el signo (que lo representa) y el interpretante (que lo interpreta). El interpretante es, a la vez, una norma social o un hábito colectivo institucionalizado y la determinación aquí y ahora de una mente que interioriza esta norma.
Signo:
Signo visual es una unidad de significación donde un elemento sustituye al otro, generalmente en la realidad, a través del lenguaje visual. Está constituido por un significante y un significado.
Un signo es la unión de un significado y un significante
Denotativo
significante: aspecto material del signo
lo objetivo. Lo consciente.
En este nivel de lectura el receptor se ajusta a la manera más literal posible a lo que nos muestra el emisor.
Consiste en enumerar y describir los elementos de la imagen sin ninguna proyección valorativa o cultural.
Lo que físicamente se vea
Connotativo
significado que se atribuye por parte del espectador a ese signo. El observador interpreta los elementos de la imagen .
Lo subjetivo: lo inconsciente
lunes, 13 de junio de 2011
Evolución histórica del diseño
La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.
El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y fueron concebidas dentro de esta escuela.
"En 1923 Kandinsky proclamó que hay una correspondencia universal entre las tres formas básicas y los tres colores primarios.“ Al asimilar sus métodos en la educación moderna del diseño la Bauhaus se convirtió en un punto de origen, resaltando las formas geométricas, el espacio reticulado y el uso racionalista de la tipografía. La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas corrientes vanguardistas que se dedicaron a la producción de la tipografía, publicidad, productos, pinturas y arquitectura. Las actividades de la escuela recibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a finales de los años treinta cuando muchos de sus miembros emigraron a este país, así la Bauhaus fue equiparada al pensamiento avanzado del diseño. La forma estructural que invadió el arte y el diseño de la Bauhaus fue la Retícula, la cual articula el espacio según un tramado de oposiciones: vertical y horizontal, arriba y abajo, ortogonal y diagonal, e izquierda y derecha. Otra oposición implicada en la retícula está entre la continuidad y la discontinuidad. En 1928 se dieron una serie de conferencias en la Bauhaus sobre la psicología de la Gestalt, la cual es fundamental para la teoría moderna del diseño y promovió una ideología de la visión como facultad autónoma y racional, mostrando los modos en que una figura emerge sobre un fondo neutro que se le subordina como condición necesaria pero invisible de la percepción.
El interés por la ornamentación y la proliferación de cambios de medida y estilo tipográfico en una misma pieza de diseño, como sinónimo de buen diseño, fue una idea que se mantuvo hasta fines del siglo XIX. El Art Nouveau, con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un alto nivel de complejidad formal, lo hizo dentro de una fuerte coherencia visual, descartando la variación de estilos tipográficos en una misma pieza gráfica.
Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agitación política que los acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño gráfico. El Dada, Cubismo, Constructivismo, Futurismo, y el Bauhaus crearon una nueva visión que influyó en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían a las artes decorativas y populares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del nuevo interés por la geometría evolucionó hacia el Art Decó. Todos estos movimientos aparecieron con un espíritu revisionista y transgresor en todas las actividades artísticas de la época.
Un precursor del diseño fue Peter Behrens, quien originalmente fue entrenado como pintor, su estilo provisional estimuló una nueva abstracción geométrica en su trabajo.
De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un consejero artístico al AEG en Berlín donde creó la primera imagen corporativa del mundo. Behrens es considerado una figura importante en la transición al Clasicismo Industrial, y jugó un papel central en la evolución de Modernismo alemán.
INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTA ART POP
El Art Pop o Arte Popular, es un producto típicamente norteamericano (aunque también se desarrolló en 1950 en Inglaterra), que aspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que se vivía.
Se caracteriza por inspirarse en la vida de la ciudad, tomando como elementos de expresión los productos masivos de la cultura, es figurativa y emplea objetos de uso diario de la sociedad consumista: botellas de coca cola, latas de cerveza, neveras, autos, comics, personajes del cine y la canción, etc.
Utiliza procedimientos dadaístas hiperrealistas (fidelidad fotográfica) y cubistas (collages). Predomina el colorido brillante, con tintes fluorescentes y acrílicos de colores vivos.
Dentro de este arte se destacan artistas como Jasper Johns, Andy Warhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter Blake y Roy Lichtenstein.
Andy Warhol
Andrew Warhola más conocido como Andy Warhol. Fue la figura más destacada del movimiento pop art.
Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia
Durante los años 60 Warhol comenzaría a pintar cuadros de productos estadounidenses famosos como sus célebres latas de sopa Campbell de 1962 y los dedicados a botellas de Coca-Cola. También retrataría a personajes populares de la época como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor,Liza Minnelli, o Troy Donahue.
ÚLTIMAS TENDENCIAS: EL DISEÑO COMPUTARIZADO
Los avances tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran evolución del diseño gráfico, facilitando herramientas para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad. Al respecto, cabe destacar el uso de programas como Photoshop, Corel Draw, Free Hand, Adobe Ilustrator, Macromedia Flash, Page Maker, entre otros.
Con la evolución de los programas, ciertas áreas problemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas herramientas, entre las mejoras destaca el perfeccionado modulo de impresión, el cual nos permite hacer uso de una práctica mini-previsualización de la impresión.
Los programas como Photoshop permiten con sus múltiples herramientas crear y diseñar a base de un material fotográfico, variedad de efectos especiales, con los que podemos lograr maravillosos fotomontajes, dibujos, efectos de luces, texturas etc.
Durante el siglo XX, los medios de comunicación aportaron con su desarrollo tecnológico un mayor control del proceso gráfico a los diseñadores, ya que en los años 90 las nuevas formas de comunicación de la era digital presentaron nuevos desafíos, como es el caso del sistema de distribución de información World Wide Web (W.W.W.), contribuyendo a una rápida evolución del diseño gráfico a nivel mundial.
Hasta 1993 la labor de crear páginas web estuvo reservada a los técnicos en informática que sabían manejar las etiquetas códigos HTML (Hipertext Markup Languaje / Lenguaje de Marcas de Hipertexto.
Con la incorporación de nuevas tecnologías y la llegada de los primeros editores HTML, la web posee ahora mucho más colorido en sus fondos y también diferentes texturas, botones, barras y una infinidad de iconos. La W.W.W. es un nuevo y complejo campo para el diseño gráfico, que permite múltiples posibilidades de añadir imágenes móviles en animación o en video, fotos, gráficos y textos en un ambiente interactivo.
Finalidad del Diseño
El diseño es un proceso mental, de imaginar, de proyectar. El diseñador identifica el problema y el proyecto es la mira, el propósito de hacer alguna cosa, de darle forma a una función.
El diseño, como se cree generalmente, no es el objeto creado en sí, sino el proceso mental a través del cual se llega a él.
El campo de acción de diseño es muy amplio ya que existe una solución para cada necesidad, o por lo menos así nos gustaría creerlo, y cada área de nuestro entorno nos plantea una de ellas. El campo de acción que abordaremos es el de la comunicación, ya que nuestra función específica, la del diseñador gráfico, es comunicar.
El diseñador gráfico da forma visual a las comunicaciones que se le plantean.
El diseñador gráfico trabaja en la interpretación, el ordenamiento y la presentación visual de mensajes.
Su sensibilidad para la forma debe ser paralela a su sensibilidad para el contenido.
Aquí nos habla de una coherencia entre el contenido (el significado del mensaje) y la forma (la materialización del mismo), ya que debemos prestarle suma importancia a lo que queremos comunicar, tarea para la cual el emisor del mensaje (generalmente una empresa) nos ha convocado.
El diseñador, a diferencia del artista, no es normalmente la fuente de los mensajes que comunica, sino su interprete.“
Esto nos quiere decir que el mensaje tiene que estar de acuerdo, y por sobre todo tiene que ser claro, para el destinatario del mensaje.
- Responsabilidad Profesional : La responsabilidad del diseñador, frente al cliente y al publico, de crear un mensaje que sea detectable, atractivo y convincente. B - Responsabilidad Ética : La creación de mensajes que apoyen valores humanos básicos. C - Responsabilidad Social : La producción de mensajes que hagan una contribución positiva a la sociedad o, al menos, que no importen una contribución negativa. D - Responsabilidad Cultural : La creación de objetos visuales que contribuyan al desarrollo cultural mas allá de los objetivos operativos del proyecto. El diseño gráfico, en cuanto a hecho comunicacional, puede ser definido por tres elementos : La persuasión : Procura convencer al receptor de que no existe mas que una elección razonable, a través de valores emotivos. El mensaje está destinado a afectar el conocimiento, las actitudes y el comportamiento de la gente. La identificación : Distingue al elemento del contexto a través de valores neutros que sirven para el reconocimiento. La información : Refiere a la comunicación objetiva de los eventos. Valores funcionales, utilitarios y racionales.
El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, "de la construcción", y Haus, "casa"; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían tal y fueron concebidas dentro de esta escuela.
"En 1923 Kandinsky proclamó que hay una correspondencia universal entre las tres formas básicas y los tres colores primarios.“ Al asimilar sus métodos en la educación moderna del diseño la Bauhaus se convirtió en un punto de origen, resaltando las formas geométricas, el espacio reticulado y el uso racionalista de la tipografía. La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas corrientes vanguardistas que se dedicaron a la producción de la tipografía, publicidad, productos, pinturas y arquitectura. Las actividades de la escuela recibieron amplia publicidad en los Estados Unidos a finales de los años treinta cuando muchos de sus miembros emigraron a este país, así la Bauhaus fue equiparada al pensamiento avanzado del diseño. La forma estructural que invadió el arte y el diseño de la Bauhaus fue la Retícula, la cual articula el espacio según un tramado de oposiciones: vertical y horizontal, arriba y abajo, ortogonal y diagonal, e izquierda y derecha. Otra oposición implicada en la retícula está entre la continuidad y la discontinuidad. En 1928 se dieron una serie de conferencias en la Bauhaus sobre la psicología de la Gestalt, la cual es fundamental para la teoría moderna del diseño y promovió una ideología de la visión como facultad autónoma y racional, mostrando los modos en que una figura emerge sobre un fondo neutro que se le subordina como condición necesaria pero invisible de la percepción.
El interés por la ornamentación y la proliferación de cambios de medida y estilo tipográfico en una misma pieza de diseño, como sinónimo de buen diseño, fue una idea que se mantuvo hasta fines del siglo XIX. El Art Nouveau, con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un alto nivel de complejidad formal, lo hizo dentro de una fuerte coherencia visual, descartando la variación de estilos tipográficos en una misma pieza gráfica.
Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agitación política que los acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño gráfico. El Dada, Cubismo, Constructivismo, Futurismo, y el Bauhaus crearon una nueva visión que influyó en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían a las artes decorativas y populares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del nuevo interés por la geometría evolucionó hacia el Art Decó. Todos estos movimientos aparecieron con un espíritu revisionista y transgresor en todas las actividades artísticas de la época.
Un precursor del diseño fue Peter Behrens, quien originalmente fue entrenado como pintor, su estilo provisional estimuló una nueva abstracción geométrica en su trabajo.
De 1907 a 1914 Behrens trabajó como un consejero artístico al AEG en Berlín donde creó la primera imagen corporativa del mundo. Behrens es considerado una figura importante en la transición al Clasicismo Industrial, y jugó un papel central en la evolución de Modernismo alemán.
INFLUENCIA DEL ESTILO VANGUARDISTA ART POP
El Art Pop o Arte Popular, es un producto típicamente norteamericano (aunque también se desarrolló en 1950 en Inglaterra), que aspiraba a ser un arte testimonial del tiempo que se vivía.
Se caracteriza por inspirarse en la vida de la ciudad, tomando como elementos de expresión los productos masivos de la cultura, es figurativa y emplea objetos de uso diario de la sociedad consumista: botellas de coca cola, latas de cerveza, neveras, autos, comics, personajes del cine y la canción, etc.
Utiliza procedimientos dadaístas hiperrealistas (fidelidad fotográfica) y cubistas (collages). Predomina el colorido brillante, con tintes fluorescentes y acrílicos de colores vivos.
Dentro de este arte se destacan artistas como Jasper Johns, Andy Warhol, C. Oldenburg, George Seagal, Peter Blake y Roy Lichtenstein.
Andy Warhol
Andrew Warhola más conocido como Andy Warhol. Fue la figura más destacada del movimiento pop art.
Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia
Durante los años 60 Warhol comenzaría a pintar cuadros de productos estadounidenses famosos como sus célebres latas de sopa Campbell de 1962 y los dedicados a botellas de Coca-Cola. También retrataría a personajes populares de la época como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor,Liza Minnelli, o Troy Donahue.
ÚLTIMAS TENDENCIAS: EL DISEÑO COMPUTARIZADO
Los avances tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran evolución del diseño gráfico, facilitando herramientas para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad. Al respecto, cabe destacar el uso de programas como Photoshop, Corel Draw, Free Hand, Adobe Ilustrator, Macromedia Flash, Page Maker, entre otros.
Con la evolución de los programas, ciertas áreas problemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas herramientas, entre las mejoras destaca el perfeccionado modulo de impresión, el cual nos permite hacer uso de una práctica mini-previsualización de la impresión.
Los programas como Photoshop permiten con sus múltiples herramientas crear y diseñar a base de un material fotográfico, variedad de efectos especiales, con los que podemos lograr maravillosos fotomontajes, dibujos, efectos de luces, texturas etc.
Durante el siglo XX, los medios de comunicación aportaron con su desarrollo tecnológico un mayor control del proceso gráfico a los diseñadores, ya que en los años 90 las nuevas formas de comunicación de la era digital presentaron nuevos desafíos, como es el caso del sistema de distribución de información World Wide Web (W.W.W.), contribuyendo a una rápida evolución del diseño gráfico a nivel mundial.
Hasta 1993 la labor de crear páginas web estuvo reservada a los técnicos en informática que sabían manejar las etiquetas códigos HTML (Hipertext Markup Languaje / Lenguaje de Marcas de Hipertexto.
Con la incorporación de nuevas tecnologías y la llegada de los primeros editores HTML, la web posee ahora mucho más colorido en sus fondos y también diferentes texturas, botones, barras y una infinidad de iconos. La W.W.W. es un nuevo y complejo campo para el diseño gráfico, que permite múltiples posibilidades de añadir imágenes móviles en animación o en video, fotos, gráficos y textos en un ambiente interactivo.
Finalidad del Diseño
El diseño es un proceso mental, de imaginar, de proyectar. El diseñador identifica el problema y el proyecto es la mira, el propósito de hacer alguna cosa, de darle forma a una función.
El diseño, como se cree generalmente, no es el objeto creado en sí, sino el proceso mental a través del cual se llega a él.
El campo de acción de diseño es muy amplio ya que existe una solución para cada necesidad, o por lo menos así nos gustaría creerlo, y cada área de nuestro entorno nos plantea una de ellas. El campo de acción que abordaremos es el de la comunicación, ya que nuestra función específica, la del diseñador gráfico, es comunicar.
El diseñador gráfico da forma visual a las comunicaciones que se le plantean.
El diseñador gráfico trabaja en la interpretación, el ordenamiento y la presentación visual de mensajes.
Su sensibilidad para la forma debe ser paralela a su sensibilidad para el contenido.
Aquí nos habla de una coherencia entre el contenido (el significado del mensaje) y la forma (la materialización del mismo), ya que debemos prestarle suma importancia a lo que queremos comunicar, tarea para la cual el emisor del mensaje (generalmente una empresa) nos ha convocado.
El diseñador, a diferencia del artista, no es normalmente la fuente de los mensajes que comunica, sino su interprete.“
Esto nos quiere decir que el mensaje tiene que estar de acuerdo, y por sobre todo tiene que ser claro, para el destinatario del mensaje.
- Responsabilidad Profesional : La responsabilidad del diseñador, frente al cliente y al publico, de crear un mensaje que sea detectable, atractivo y convincente. B - Responsabilidad Ética : La creación de mensajes que apoyen valores humanos básicos. C - Responsabilidad Social : La producción de mensajes que hagan una contribución positiva a la sociedad o, al menos, que no importen una contribución negativa. D - Responsabilidad Cultural : La creación de objetos visuales que contribuyan al desarrollo cultural mas allá de los objetivos operativos del proyecto. El diseño gráfico, en cuanto a hecho comunicacional, puede ser definido por tres elementos : La persuasión : Procura convencer al receptor de que no existe mas que una elección razonable, a través de valores emotivos. El mensaje está destinado a afectar el conocimiento, las actitudes y el comportamiento de la gente. La identificación : Distingue al elemento del contexto a través de valores neutros que sirven para el reconocimiento. La información : Refiere a la comunicación objetiva de los eventos. Valores funcionales, utilitarios y racionales.
lunes, 16 de mayo de 2011
Tema 2 Arte Prehistorico
El ser humano siempre ha tenido la necesidad de representar todo lo que le rodea, encontrando en el dibujo, el medio más ameno para realizar este deseo. Los primeros dibujos se remontan en el Paleolítico Superior, hace 35.000 años, cuando el Homo sapiens representaba sobre las superficies rocosas de las cuevas o sobre la piel de los abrigos, animales que cazaba.
Un ejemplo de esta manifestación artística lo encontramos en las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira, en Cantabria (España).
Más tarde, los egipcios supieron valerse de este arte para decorar las construcciones más imponentes de la historia; las pirámides. Había pasado miles de años y el dibujo había evolucionado substancialmente. Se había pasado de la composición monotonal y estática de la prehistoria al equilibrio, minuciosidad y colorido de las representaciones teológicas en templos y santuarios. Ahora hacia falta detallar la figura de los dioses para agradecerles la esplendor del imperio egipcio.
Habría que avanzar hasta el S.VI a.C. para encontrar, en los griegos los máximos representantes del equilibrio en el dibujo. Preocupados por centrarse en la expresión cándida humana, la despojan de todo abalorio o connotación sobrenatural, consiguen centrarse y obtienen las proporciones consideradas armónicas hasta el momento. He aquí la unidad y avenencia entre la realidad y la figura.
Los romanos, 500 años después aportaron la diversidad que faltaba. Mantener otro imperio sobre un territorio tan extenso precisaba de un ejercito y una disciplina ejemplar para subyugar a tantas culturas diversas sobre el mismo mando. Eso, facilitó, en cierta parte, el abandono de lo artístico y ornamental para acercarse a una doctrina más práctica y útil para esa época; hacían falta sólidas edificaciones con las que mantener la autoridad sobre los continuos ataques de los invasores. Obtuvieron en el dibujo el medio para reflejar lo que serían las próximas construcciones. Surgieron los primeros planos y con ellos nació la arquitectura. El dibujo técnico ya precisaba de mayor técnica y conocimientos matemáticos que lo que se había forjado hasta el momento.
¿Qué es arte rupestre?
Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas.
¿Qué es un petroglifo?
Se conoce como petroglifo a una imagen que ha sido grabada en la superficies rocosas (del griego petros: piedra y griphein: grabar).
Por medio de diversas técnicas, se lograron plasmar formas que gracias a la permanencia de la roca, aún podemos apreciar. Algunos petroglifos fueron hechos al picar la superficie con una roca más dura, mediante el golpeteo constante con otro instrumento auxiliar, a la manera del cincel y el martillo. Otros fueron grabados al rayar con el filo de una roca tallada . La superficie también pudo ser frotada con un instrumento de piedra y finalmente pulida con la ayuda de arena y agua.
Los petroglifos pueden estar grabados muy superficialmente, a manera de pequeños puntos que no se distinguen sino a poca distancia, hasta los que se conforman por surcos de varios centímetros de profundidad o los que presentan la excavación de amplias áreas planas. Se puede distinguir una gran variedad de motivos, entre los cuales podemos destacar: espirales (circulares y cuadradas), círculos concéntricos, hileras de puntos, caras triangulares, cuadradas y circulares, antropomorfos(2), cuadrados con divisiones interiores, meandros(3), etc. Estos motivos se encuentran dispuestos y mezclados en complejas composiciones, muchas veces entrelazados o superpuestos.
¿Qué es una pictografía?
Las pictografías (del latín pictum: relativo a pintar, y del griego grapho: trazar) son grafismos realizados sobre las rocas mediante la aplicación de pigmentos.
Mejor conocida como pintura rupestre, esta modalidad de arte rupestre se caracteriza por utilizar en su preparación sustancias minerales (óxidos de hierro, manganeso, cinabrio, carbón, arcillas), animales (sangre, huevos, grasas) o vegetales (grasas, colorantes). Diversas mezclas se llevaron a cabo para obtener pigmentos que van desde el negro hasta el blanco, pasando por una amplia gama de rojos ocre, naranjas y amarillos.
Estos pigmentos se aplicaron con los dedos (pintura dactilar) o con algún instrumento a manera de pincel. En muchos sitios rupestres es posible reconocer los dedos o de la mano completa, lo que sugiere una aplicación directa del pigmento; pero también se advierten trazos muy finos o, por el contrario, áreas muy grandes, que debieron ser realizadas con algún instrumento (pinceles o hisopos).
¿Para qué se realizó el arte rupestre?
Sobre las razones para realizar arte rupestre, se han esbozado diversas explicaciones que van desde la elaboración por simple ocio y fantasía por parte de pueblos primitivos o “poco evolucionados”; hasta la necesidad de plasmar complejos lenguajes con contenidos de carácter universal.
Fosfenos*
Una de las explicaciones que más aceptación ha tenido en los últimos tiempos es la que plantea un origen neurofisiológico a partir de la reacción producida por sustancias psicotrópicas. Según esta teoría, la ingestión de narcóticos presentes en plantas tales como el yagé permite la observación de determinadas figuras denominadas fosfenos, las cuales son comúnmente representadas en el arte rupestre y en el arte indígena en general. De esta manera, las representaciones artísticas tendrían su origen en contextos rituales y la mayoría de las figuras procederían de alucinaciones a las cuales posteriormente se les asigna un significado.
Pudieron ser muchas y muy diversas las razones que tuvieron los grupos humanos para realizar las manifestaciones rupestres: prácticas rituales u ofrendatorias, intenciones puramente estéticas (arte por el arte), o necesidad y vehículo de comunicación de saberes, mitos, etc. Sin embargo, y debido a que ya no sobreviven sus originales artífices, hoy en día no es posible conocer de una manera segura estas intenciones.
La espiral es un símbolo universal al que se le atribuyen gran diversidad de significados: representación
de la vida, del movimiento cíclico de la energía, de la rotación de las aguas y los vientos, del pensamiento, etc.
Petroglifos en el río Caquetá. Posibles representaciones del mito de la Serpiente ancestral. El mito de «La serpiente ancestral» narra, entre otras versiones, cómo los hombres vinieron en el vientre de una gran serpiente, la Anaconda Ancestral
Un ejemplo de esta manifestación artística lo encontramos en las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira, en Cantabria (España).
Más tarde, los egipcios supieron valerse de este arte para decorar las construcciones más imponentes de la historia; las pirámides. Había pasado miles de años y el dibujo había evolucionado substancialmente. Se había pasado de la composición monotonal y estática de la prehistoria al equilibrio, minuciosidad y colorido de las representaciones teológicas en templos y santuarios. Ahora hacia falta detallar la figura de los dioses para agradecerles la esplendor del imperio egipcio.
Habría que avanzar hasta el S.VI a.C. para encontrar, en los griegos los máximos representantes del equilibrio en el dibujo. Preocupados por centrarse en la expresión cándida humana, la despojan de todo abalorio o connotación sobrenatural, consiguen centrarse y obtienen las proporciones consideradas armónicas hasta el momento. He aquí la unidad y avenencia entre la realidad y la figura.
Los romanos, 500 años después aportaron la diversidad que faltaba. Mantener otro imperio sobre un territorio tan extenso precisaba de un ejercito y una disciplina ejemplar para subyugar a tantas culturas diversas sobre el mismo mando. Eso, facilitó, en cierta parte, el abandono de lo artístico y ornamental para acercarse a una doctrina más práctica y útil para esa época; hacían falta sólidas edificaciones con las que mantener la autoridad sobre los continuos ataques de los invasores. Obtuvieron en el dibujo el medio para reflejar lo que serían las próximas construcciones. Surgieron los primeros planos y con ellos nació la arquitectura. El dibujo técnico ya precisaba de mayor técnica y conocimientos matemáticos que lo que se había forjado hasta el momento.
¿Qué es arte rupestre?
Se conoce como arte rupestre a los rastros de actividad humana o imágenes que han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas.
¿Qué es un petroglifo?
Se conoce como petroglifo a una imagen que ha sido grabada en la superficies rocosas (del griego petros: piedra y griphein: grabar).
Por medio de diversas técnicas, se lograron plasmar formas que gracias a la permanencia de la roca, aún podemos apreciar. Algunos petroglifos fueron hechos al picar la superficie con una roca más dura, mediante el golpeteo constante con otro instrumento auxiliar, a la manera del cincel y el martillo. Otros fueron grabados al rayar con el filo de una roca tallada . La superficie también pudo ser frotada con un instrumento de piedra y finalmente pulida con la ayuda de arena y agua.
Los petroglifos pueden estar grabados muy superficialmente, a manera de pequeños puntos que no se distinguen sino a poca distancia, hasta los que se conforman por surcos de varios centímetros de profundidad o los que presentan la excavación de amplias áreas planas. Se puede distinguir una gran variedad de motivos, entre los cuales podemos destacar: espirales (circulares y cuadradas), círculos concéntricos, hileras de puntos, caras triangulares, cuadradas y circulares, antropomorfos(2), cuadrados con divisiones interiores, meandros(3), etc. Estos motivos se encuentran dispuestos y mezclados en complejas composiciones, muchas veces entrelazados o superpuestos.
¿Qué es una pictografía?
Las pictografías (del latín pictum: relativo a pintar, y del griego grapho: trazar) son grafismos realizados sobre las rocas mediante la aplicación de pigmentos.
Mejor conocida como pintura rupestre, esta modalidad de arte rupestre se caracteriza por utilizar en su preparación sustancias minerales (óxidos de hierro, manganeso, cinabrio, carbón, arcillas), animales (sangre, huevos, grasas) o vegetales (grasas, colorantes). Diversas mezclas se llevaron a cabo para obtener pigmentos que van desde el negro hasta el blanco, pasando por una amplia gama de rojos ocre, naranjas y amarillos.
Estos pigmentos se aplicaron con los dedos (pintura dactilar) o con algún instrumento a manera de pincel. En muchos sitios rupestres es posible reconocer los dedos o de la mano completa, lo que sugiere una aplicación directa del pigmento; pero también se advierten trazos muy finos o, por el contrario, áreas muy grandes, que debieron ser realizadas con algún instrumento (pinceles o hisopos).
¿Para qué se realizó el arte rupestre?
Sobre las razones para realizar arte rupestre, se han esbozado diversas explicaciones que van desde la elaboración por simple ocio y fantasía por parte de pueblos primitivos o “poco evolucionados”; hasta la necesidad de plasmar complejos lenguajes con contenidos de carácter universal.
Fosfenos*
Una de las explicaciones que más aceptación ha tenido en los últimos tiempos es la que plantea un origen neurofisiológico a partir de la reacción producida por sustancias psicotrópicas. Según esta teoría, la ingestión de narcóticos presentes en plantas tales como el yagé permite la observación de determinadas figuras denominadas fosfenos, las cuales son comúnmente representadas en el arte rupestre y en el arte indígena en general. De esta manera, las representaciones artísticas tendrían su origen en contextos rituales y la mayoría de las figuras procederían de alucinaciones a las cuales posteriormente se les asigna un significado.
Pudieron ser muchas y muy diversas las razones que tuvieron los grupos humanos para realizar las manifestaciones rupestres: prácticas rituales u ofrendatorias, intenciones puramente estéticas (arte por el arte), o necesidad y vehículo de comunicación de saberes, mitos, etc. Sin embargo, y debido a que ya no sobreviven sus originales artífices, hoy en día no es posible conocer de una manera segura estas intenciones.
La espiral es un símbolo universal al que se le atribuyen gran diversidad de significados: representación
de la vida, del movimiento cíclico de la energía, de la rotación de las aguas y los vientos, del pensamiento, etc.
Petroglifos en el río Caquetá. Posibles representaciones del mito de la Serpiente ancestral. El mito de «La serpiente ancestral» narra, entre otras versiones, cómo los hombres vinieron en el vientre de una gran serpiente, la Anaconda Ancestral
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